La cupola e la città – di Mauro Fornasero – Acrilico su tela – 70x70cm

Dopo un lungo percorso che ci ha mostrato come l’arte sia e possa essere ricerca, confronto, collaborazione, innovazione, tradizione, originalità, esperienza, creatività, passione, intuizione, sperimentazione e determinazione ora comprendiamo come l’arte sia, anche, condivisione.

L’opera d’arte è una opportunità da condividere perchè l’arte è condivisione e condividere è un’arte.

Cosa si intende oggi con il termine ‘condivisione’?

Condividere è l’imperativo di questi anni. Sempre più social e connessi dalle nostre bacheche condividiamo davvero tutto. Lo sharing, come la rete ci ha insegnato a chiamare la condivisione, diventa a tutti gli effetti un’opportunità per mettere in comune risorse e opinioni poichè la condivisione è forza.

Come si adatta all’arte la condivisione multimediale?

I social media in particolare e Internet in generale, stanno avendo un ruolo estremamente importante nella diffusione dell’arte, al punto da modificare il nostro stesso rapporto con le opere. Grazie a Facebook, Instagram, Twitter, YouTube, etc.. abbiamo la possibilità di conoscere le opere di artisti famosi o sconosciuti, condividerle con amici e parenti ed essere noi stessi, cassa di risonanza per le attività pubblicitarie dell’artista.

L’esempio più eclatante è sicuramente quello di Bansky, artista a tutt’oggi sconosciuto ma che ha un profilo Instagram da oltre 5 milioni di followers e che quotidianamente rilancia se stesso, mediante una incessante attività di social media marketing.

Sono tantissimi gli artisti più o meno famosi che, utilizzando sapientemente i social networks, nonché tutti i siti di promozione e condivisione dell’arte (basti pensare al nostro PitturiAmo che al momento in cui scrivo fornisce visibilità ad oltre 16.000 artisti che espongono oltre 190.000 opere d’arte), riescono a veicolare la propria idea di Arte.

L’arte sui social non è interessante solo per gli artisti, i galleristi e i collezionisti, c’è anche un grande desiderio di conoscenza da parte del vasto pubblico che viene soddisfatto da social e profili che mostrano con facilità immagini disparate, contribuendone alla diffusione.

Ma quando si parla di condivisione nell’arte si intende solo lo ‘sharing mediatico‘ di talune opere?

Decisamente no!

La condivisione nell’arte è un termine vastissimo, è partecipazione ad eventi reali e non necessariamente multimediali, è cooperazione di esperienze concrete, è tangibilità della materia, è profumo dei colori che solo alcune gallerie hanno ancora.

Condividere la propria arte significa, anche, metterla a disposizione di un pubblico reale e non solo virtuale, significa lasciare che quelle emozioni, che solo la visione dal vero può consentire, vengano sottoposte ad altri e in tanti spazi.

La condivisione nell’arte equivale a rendere partecipi altri di una esperienza personale, come un bisogno che nasce dalla necessità di comunicare per confrontarsi e migliorarsi.

Il termine condivisione è quello prescelto dal PREMIO ARTISTA D’ITALIA che diviene per eccellenza scrigno di partecipazione tra artisti e spazi.

Composta da 12 lettere la parola è stata filo rosso del progetto poichè esattamente 12 sono gli spazi individuati sul territorio nazionale e 12 saranno gli artisti finalisti che esporranno un’opera in ognuna di esse.

Condivisione è una delle parole chiave dell’arte, che si aggiunge e collega tutte quelle già individuate nelle settimane precedenti: Tradizione, Esperienza, Originalità, Ricerca, Confronto, Innovazione, Collaborazione, Passione, Determinazione, Creatività.

Se la tua Arte è anche Condivisione, con il Premio Artista d’Italia hai l’opportunità di far conoscere la tua arte in tutta Italia (Barletta, Bologna, Ferrara, Firenze, Milano, Monza, Napoli, Padova, Palermo, Parma, Roma, Venezia) condividendo la tua esperienza con quella di tanti altri artisti italiani e stranieri, per 30 giorni.

30 giorni di esposizione in galleria, su tutto il territorio nazionale (13 grandi provincie italiane), spazi non convenzionali o rinomati atelier  per un reale confronto con il pubblico, gli artisti e gli operatori del settore.

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Zerouno Gallery – Barletta

Ad accogliere tutti nella tappa di lancio è lo spazio Zerouno Gallery di Barletta. Una piccola galleria nel cuore del centro urbano che da quindici anni accoglie costantemente progetti di arte contemporanea selezionando, con cura e meticolosità, artisti di portata nazionale ed internazionale. Partner della Fondazione De Nittis ospita nella propria sede meeting artistici, salotti culturali, reading, performance e incontri d’arte. Tantissimo lavoro, costanza e perseveranza insieme ad un pizzico di fortuna hanno consentito alla galleria di ospitare ed accogliere, negli anni, artisti noti e progetti rilevanti come quello previsto per il 2021 ‘ART IN SCHOOL: The face of Innocence’ in collaborazione con Besharat Arts Foundation Museum con le opere del noto Steve McCurry.

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Se anche per te Arte è Condivisione, parlaci un poco della tua arte, raccontaci chi sei e come la Condivisione influenzi la tua Arte. Lascia un commento a questo articolo.

La casa cantoniera – di Mauro Fornasero – Acrilico su tela – 70x50cm

L’intuizione è un’acuta capacità di perfezione che nasce da una disposizione abituale e che diviene di grande importanza per l’arte contemporanea.

Nell’arte l’intuizione non ha regole da rispettare e chiunque è libero di esprimere quello che sente.

Quanto è importante l’intuizione nell’arte?

Benedetto Croce riteneva che ‘‘l’ arte fosse intuizione fantastica compiutamente espressa”.

L’intuizione è un elemento distintivo per l’ arte contemporanea perchè consente di ‘fare arte’ attraverso linguaggi e materiali non propriamente legati all’aspetto accademico. In questo modo l’opera d’arte è un continuo divenire che, grazie all’intuizione, si appropria di strumenti e materiali comuni utilizzati con diversità per affidare a chi l’ha ideata e a chi l’ha realizzata emozioni grandiose.

Ma quando si parla di intuizione si intende una tecnica o idee?

Fino ai primi anni del Novecento la tecnica era fondamentale. Oggi, quello che conta, nell’arte, come in altri settori, è avere la giusta intuizione nel momento opportuno. Le idee generano intuizioni e quando sono innovative e frizzanti consentono all’arte stessa e ad un società di perdurare. Si pensi, ad esempio, al Taglio sulla tela di Lucio Fontana,quella fu l’intuizione che rese l’artista un grande e l’opera un capolavoro. Perché l’opera d’arte non è solo lavoro meticoloso e ricerca, ma è anche azione, gesto, visione, scherzo, provocazione ed intuizione.

Nella storia l’arte ci ha stimolato a comprendere, pensare sulla contemporaneità e sulla società ed è facile rimanere un po’ perplessi davanti a quadri che non si riesce a decifrare. La reazione è quella di essere irritati, stupefatti perchè spesso l’intuizione porta a risultati che lascia basiti.

Cosa bisogna cogliere, pertanto, in un’opera dettata dall’intuizione?

Bisogna andare oltre ciò che si vede, immaginare, ricordare. Davanti alle opere d’arte ci si sente liberi di poter immaginare tutto quello che si desidera e il compito principale dell’arte dovrebbe essere quello di far sentire liberi chi osserva e chi crea. L’arte contemporanea regala tanti prodotti intuitivi e anche quando si è davanti ad opere apparentemente inutili e di una semplicità disarmante nasce una domanda banale: perchè non è venuto in mente a me?

Ed è qui che la risposta è una sola: intuizione!

Quando si parla di intuizione nell’arte vengono in mente molti nomi ed opere, tra tante si pensi alle opere di Ryman, campi bianchi minimalisti, tele bianche poste semplicemente a parete. Niente paesaggi, niente ritratti, nè nature morte o scene fantastiche, NIENTE DI NIENTE. L’assenza di cornice contribuisce a rendere ancora più scarna la composizione finale e le opere si riconoscono dalla parete grazie ai ganci di metallo a cui sono attaccate. Bene, in quelle opere solo l’intuizione ha reso l’artista uno dei più noti esponenti d’arte contemporanea consentendogli di abbandonare il ruolo di guardiano del MoMa diventandone protagonista.

Ma perchè una tela bianca può essere un’opera d’arte? Perchè l’arte contemporanea non rappresenta solo ciò che si vede, ma ciò che si ha dentro soprattutto perchè semplicità e ripetitività consentono di ripetere infinite variazioni dello stesso colore ed il bianco è luce.

Esempi, citazioni e storia ci hanno consentito di affermare che intuizione ed innovazione sono i due principi cardinali su cui basarsi per la comprensione dell’arte contemporanea.

Ma l’arte contemporanea deve e può basarsi solo sull’intuizione?

Assolutamente no!

Che sia importante è innegabile, ma che si associ a talento, ricerca, sperimentazione, amore, passione, studio, tradizione, storia insieme ad impegno, talento e maestrìa lo potremo notare solo con il PREMIO ARTISTA D’ITALIA che saprà riconoscere talenti e che ha saputo individuare tanti spazi in Italia.

Intuizione è una delle parole chiave dell’arte, che si aggiunge a quelle già individuate nelle settimane precedenti: Tradizione, Esperienza, Originalità, Ricerca, Confronto, Innovazione, Collaborazione, Passione, Determinazione, Creatività, Sperimentazione.

Se la tua Arte è anche Creatività, con il Premio Artista d’Italia hai l’opportunità di far conoscere la tua arte in tutta Italia (Barletta, Bologna, Ferrara, Firenze, Milano, Monza, Napoli, Padova, Palermo, Parma, Roma, Venezia) condividendo la tua esperienza con quella di tanti altri artisti italiani e stranieri, per 30 giorni.

30 giorni di esposizione in galleria, su tutto il territorio nazionale (13 grandi provincie italiane), spazi non convenzionali o rinomati atelier  per un reale confronto con il pubblico, gli artisti e gli operatori del settore.

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Art Luxury Gallery – Milano

Uno spazio particolarmente innovativo è Art Luxury a Milano che vuole essere il punto di riferimento degli artisti che intendono esporre le loro opere in un ambiente intimo e riservato, a diretto contatto con il target di riferimento. Art Luxury Milano promuove le collezioni più interessanti sul mercato, in un contesto di “Experimental art room”: un piccolo scrigno che ha avuto l’intuizione di evolversi in galleria d’arte coniugando alla perfezione cultura, ricerca, innovazione e talento. Gli interni di Art Luxury Milano, suddivisi in tre piani, si prestano ad installazioni, performances ed esposizioni.

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Il venditore di arance – di Mauro Fornasero – Acrilico su tela – 70x50cm

La creatività,  la ricerca, il confronto, la collaborazione, l’innovazione, la tradizione, l’originalità, l’esperienza e la sperimentazione artistica svolgono, tutte, un ruolo fondamentale nel percorso di crescita di un artista e nella diffusione di un concetto di arte completo, compiuto e determinante.

La sperimentazione è un espediente importante in molti campi, non solo nell’arte, ma oggi cosa si intende per sperimentazione?

Sperimentare vuol dire testare e collaudare qualcosa per verificarne e valutarne il rendimento, l’efficienza, la qualità, gli esiti. Questo avviene per accrescere la propria conoscenza e giustifica come la sperimentazione avvenga in diversi campi poichè l’esperimento è fondamentalmente una prova, un tentativo.

Nell’arte la sperimentazione come potrebbe essere applicata?

La prima forma di sperimentazione nel campo artistico che viene in mente riguarda la tecnica, poi l’espressione, il supporto eppure l’arte contemporanea viene spesso tacciata di essere ricolma di linguaggi già visti. A volte basta poco per parlare di sperimentazione, è sufficiente che qualche colore prenda la sua forma sul supporto. Si pensi al futurismo, movimento che, come molti altri, ha visto tentativi e sperimentazioni di diversi artisti per arrivare ad unirsi e determinare la nascita di un corrente artistica.

Ma la sperimentazione è un termine valido solo per l’arte contemporanea?

Nel corso del XX secolo molti artisti hanno messo da parte le tecniche tradizionali per introdurre nuovi materiali e nuovi metodi di lavoro, più rispondenti ai propri linguaggi. La sperimentazione tecnica ha affiancato l’evoluzione della forma nell’arte contemporanea, svolgendo un ruolo fondamentale per lo sviluppo dell’espressione artistica che si sviluppa nel Novecento. Bene o male, gli artisti del XX secolo dovevano porsi come inventori e, pertanto, sperimentatori.

Per attirare l’attenzione dovevano prestare maggiore attenzione all’originalità rispetto alla maestrìa che è tipica dei grandi artisti del passato. Ogni genere di elemento differente dalla tradizione o interessava i critici oppure avviava una nuova corrente e veniva considerato come un nuovo indirizzo artistico sull’onda del momento, precursore del futuro artistico. Pertanto il concetto di sperimentazione legato all’arte non è affatto nuovo, affonda le sue radici nella storia e segna i paradigmi del presente artistico contemporaneo.

Ma l’arte, per essere apprezzata, ha necessità reale della sperimentazione?

Nella profondità del suo significato l’arte vuole essenzialmente ‘comunicare’. Ogni artista si accorge che il linguaggio nel tempo cambia e produce informazione sempre diversa a seconda dei tempi, informazione e non più comunicazione.

L’arte deve essere semplicemente alla base della vita culturale, pertanto la sperimentazione diviene necessità individuale e non collettiva.

Ci sono eventi e progetti in cui l’arte crea sorprese, uno di questi è il PREMIO ARTISTA D‘ITALIA, un progetto complesso ed articolato che accomuna sull’intero territorio nazionale tredici spazi per nulla convenzionali che tra gallerie, studio art e home gallery sapranno tracciare la grandezza dell’arte contemporanea.

Sperimentazione è una delle parole chiave dell’arte, che si aggiunge a quelle già individuate nelle settimane precedenti: Creatività, Tradizione, Esperienza, Originalità, Ricerca, Confronto, Innovazione, Collaborazione, Passione, Determinazione.

Se la tua Arte è anche Creatività, con il Premio Artista d’Italia hai l’opportunità di far conoscere la tua arte in tutta Italia (Barletta, Bologna, Ferrara, Firenze, Milano, Monza, Napoli, Padova, Palermo, Parma, Roma, Venezia) condividendo la tua esperienza con quella di tanti altri artisti italiani e stranieri, per 30 giorni.

30 giorni di esposizione in galleria, su tutto il territorio nazionale (13 grandi provincie italiane), spazi non convenzionali o rinomati atelier  per un reale confronto con il pubblico, gli artisti e gli operatori del settore.

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Se anche per te Arte è Sperimentazione, parlaci un poco della tua arte, raccontaci chi sei e come la sperimentazione influenzi la tua Arte. Lascia un commento a questo articolo.

Arte è Creatività – La strada verso il borgo di Mauro Fornasero – Acrilico su tela – 70×70 cm

Il matematico Henri Poincaré ha dato una delle definizione più efficaci di creatività, parlando della «capacità di unire elementi preesistenti in combinazioni nuove, che siano utili».

Ogni idea è un nuovo mixaggio che mescola aspetti di pensieri diversi (magari anche appartenenti a mondi o momenti differenti ) in un modo totalmente nuovo.

Ogni idea porta con sè un’eredità di concetti precedenti e niente nasce dal nulla.

Esattamente questo avviene nell’arte, nessuna opera d’arte nasce per caso, la questione è: quanto gli artisti sono disposti ad ammetterlo?

Arte e creatività procedono insieme e ogni aspetto derivante dalla loro declinazione è motivo di ispirazione, commento, critica. Ogni artista esprime la propria creatività diversamente, in base alle preferenze e alla tecnica adottata e sempre riesce ad infondere emozioni. Inoltre, ogni idea ha sempre un presupposto che nasce da un brano letto, da una musica ascoltata, da un vissuto, da un incontro, da un ricordo o da qualcosa già vista che viene poi, come si conviene, utilizzato con creatività a regola d’arte.

Ma quali sono gli strumenti che un artista può adottare per esprimere la propria creatività e trasformarla in arte?

E’ ovvio ed anche fondamentale che si creino idee innovative basate su concetti nuovi e ben diversi da quelli già attuati e concepiti, idee trasformate e rielaborate in modo da migliorare una persona oppure una situazione. Pertanto svariati sono gli strumenti che si possono utilizzare per dare vita alla creatività avviando i presupposti per veri e propri capolavori d’arte.

La creatività può essere attuata in tutte le forme?

Ebbene sì, la creatività esiste in tutte le forme e non si deve fermare soltanto alle opere artistiche in sé, ma va oltre, sino ad essere espressione di una nuova idea che si confronta tra le varie conoscenze, che esplora la curiosità e si spinge a ricercare ciò che sta dietro le cose apparenti fino a rivelarne l’essenza. Quelle che esprimono maggiormente il senso dell’arte e della creatività sono discipline come la danza, la pittura, la scultura, il teatro, la musica ma anche attività come la fotografia, la cucina riescono a rendere con creatività la propria passione. Infatti il desiderio di conoscenza ed apprendimento genera creatività anche in altri campi come la pubblicità, la grafica o il design in cui, con maggiore insistenza, emerge il concetto di creatività, perché i loro creatori individuano un prodotto che piace così tanto da soddisfare il pubblico e battere la concorrenza diretta.

Così posiamo affermare che l’arte e la creatività non sono patrimonio solo per pochi eletti, ma possono essere apprese con costanza, studio, ricerca con esiti sempre diversi a seconda dell’individuo poichè impegno, predisposizione e passione sono alla base di tutto.

Ed è la creatività insieme alla ricerca, al confronto, alla collaborazione, all’innovazione, alla tradizione, all’originalità ed all’esperienza, insieme a molto altro, quello che cerchiamo con il PREMIO ARTISTA D‘ITALIA. Non a caso abbiamo individuato spazi per nulla convenzionali che possano accogliere ogni dimostrazione d’arte.

Creatività è una delle parole chiave dell’arte, che si aggiunge a quelle già individuate nelle settimane precedenti: Tradizione, Esperienza, Originalità, Ricerca, Confronto, Innovazione, Collaborazione, Passione, Determinazione.

Se la tua Arte è anche Creatività, con il Premio Artista d’Italia hai l’opportunità di far conoscere la tua arte in tutta Italia (Barletta, Bologna, Ferrara, Firenze, Milano, Monza, Napoli, Padova, Palermo, Parma, Roma, Venezia) condividendo la tua esperienza con quella di tanti altri artisti italiani e stranieri, per 30 giorni.

30 giorni di esposizione in galleria, su tutto il territorio nazionale (13 grandi provincie italiane), spazi non convenzionali o rinomati atelier  per un reale confronto con il pubblico, gli artisti e gli operatori del settore.

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Spazio 121 – Home Gallery – Perugia

Una, tra tutte, che ha saputo unire la sua passione con creatività è lo Spazio121, una home gallery a Perugia, un punto d’incontro e di sperimentazione con l’obiettivo di fare emergere nuovi messaggi culturali. Una home esposition fuori dal comune, ubicata in spazi ampi e luminosi su più livelli in cui si possano ospitare espressioni artistiche di vario genere, un luogo in cui il vero protagonista si senta a casa, un luogo fuori dai soliti schemi in cui stimolare nuove idee e voglia di creare.

Guarda il video !

Se anche per te Arte è Creatività, parlaci un poco della tua arte, raccontaci chi sei e come la creatività influenzi la tua Arte. Lascia un commento a questo articolo.